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Zertrümmerte Taylor-Swift-Gitarre steht wieder zum Verkauf

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„The Simpsons“: Homer darf Bart weiterhin würgen, sagt Serienmacher

Daniel Day-Lewis (2.v.r.) und seine Familie (Sohn Ronan Day-Lewis und Ehefrau Rebecca Miller) bei der Premiere von „She Came To Me“ am 3. Oktober 2023 in New York.

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Daniel Day-Lewis kehrt aus der Rente zurück

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Paul McCartney feiert berührende Live-Premiere von „Now and Then“

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Mutazione – Italian Electronic & New Wave Underground 1980–1988

Wolfgang Voigt

Zukunft ohne Menschen

Zum 20-jährigen Jubiläum der Rockgruppe Tocotronic:

Eine Raritäten-Compilation auf Doppel-Picture-Vinyl.

Indie-Pop: Keine Dramen, keine großen Melodien: Thees Uhlmann erzählt auf seinem zweiten Solo-Album Geschichten statt von Gefühlen.

Der traut sich was. „Die Bomben meiner Stadt machen boom boom boom“, singt Thees Uhlmann ziemlich zu Beginn seines zweiten Solo-Albums, versetzt sich im selben Song in Jesus und ist auch um Backgroundchöre nicht verlegen. Vielleicht ist diese direkte und lautmalerische Art des Storytellings seiner Zusammenarbeit mit Casper geschuldet, vielleicht sind Uhlmann aber auch einfach die Ideen ausgegangen. An der Motivation scheitert #2 nämlich nicht: Uhlmann erzählt mit Bluesrock-Instrumentarium von Zugvögeln statt von Lachsen, von Kriegen und von Townships, von Genossen am Tresen und Reihenhaussiedlungen, widmet sich der Anatomie des Feuers und eines Datums, gibt Geschichtsstunden, schaut endgültig nach außen statt nach innen, hat sogar einen Springsteen-Moment („Zerschmettert in Stücke [im Frieden der Nacht]“), den er schon auf seinem Solodebüt so provozierte -und doch hat man sich Tomte und deren gefühlige Gewichtigkeit selten mehr zurückgewünscht. Uhlmann hat einen Haufen Ohrwürmer geschrieben („Weiße Knöchel“, „Trommlermann“), wie sie gleichzeitig egaler kaum sein könnten. Zwischen Fremdscham, Heiterkeit und attestiertem Selbstbewusstsein mäandert somit auch das Gros dieses Albums; Klavier, Orgeln und Tobi Kuhns Produktion (Sportfreunde Stiller, Die Toten Hosen, Tomte) tun ihr Übriges. #2, dieser tongewordene Freischwimmer am Reißbrett, dürfte Uhlmann selbst sehr gut tun. Seinen Fans nur bedingt.

Kompakt/Rough Trade

Stadion-Rave: Der Däne Kölsch befolgt mit seinem Debüt zwischen House, Trance und Pop die Redensart: Nicht kleckern, sondern klotzen! Passiert auch nicht so häufig, dass das Debütalbum gleichzeitig Best-of ist. Ja, Kompakt hat einen Kerl im Köcher, der Kölsch heißt. Dabei ist Rune Reilly Kølsch Däne und spätestens seit seinen Beiträgen für die Speicher-Reihe des Labels schwingt er das Rave-Zepter bei den Kölnern. 1977 ist alles auf einmal: nostalgisch, angeberisch, elegant, monströs und emotional. 13 funktionale Hits, die sich dem Präfix Multi gar nicht erst verweigern wollen -Bretter wie „Goldfisch“ und „Loreley“ funktionieren am Ballermann, in der Panorama Bar und auch im Stadion. Für Feingeister steht lediglich die großartige Ballade „All That Matters“ bereit, der Rest quillt nur so über vor Energie, Ekstase und dem Willen zum kathartischen Drop. Auf die düstere Nummer „Eiswinter“ dürfte Kollege Gui Boratto neidisch sein, „Bappedekkel“ wagt die Kakophonie und nebenbei wird auch noch Derrick May zitiert („Der Alte“). Natürlich ist das bisweilen hyper-cheesy, simpel im Aufb au und gewollt euphorisch -egal, wenn sich gleich mehrere Klassiker auf einer LP befinden. Und alle Hände gehen hoch!

Zeit für Trauer und Drama mit dem Existenzialisten-Pop von Money.

Unterhalten wir uns ein wenig über Erwartungshaltungen. Darüber, wie Vorfreude sie auf unfair hohe Podeste heben kann von Ausmaßen des Mount Everest. Money aus Manchester haben 2012 zwei umwerfende 7-Inches veröffentlicht. Allen voran die todtraurige Piano-Nummer „Goodnight London“ mit ihrem Kammerfeeling, dem Knarren und Knistern, den Dialogen im Hintergrund. Es ging um die Suche nach Bedeutung des Menschen in der wirren, komplexen, korrupten und verdorbenen Welt. Wo steht die Liebe? Was bedeutet sie überhaupt noch? Und wer entscheidet eigentlich, wie ich mich verhalte und was mit mir passiert? Das alles ohne die geballte Faust der Rebellion oder epische Anklage. Dafür mit dem Gefühl von Aufgabe, Kapitulation und Akzeptanz. Für das Album wurden die Songs (u. a. das hymnische Gewaltstück „Who’s Gonna Love You Now“) neu aufgenommen, und auch wenn die 2.0-Versionen auf anderem Level operieren, besitzen sie genügend eigene Stimmung, um zu bestehen. THE SHADOW OF HEAVEN ist der erhoffte große Wurf, auch weil die neuen Songs größtenteils neben den Platzhirschen bestehen können. Da wären allen voran die verträumte Pop-Nummer „Bluebell Fields“, auf der Sänger Jamie Lee zeigt, dass er genau weiß, wann er seine Stimme in welche Richtung zu bewegen hat und das Highlight „Cold Water“, das früh im Song für einen Gänsehaut-Ausbruch sorgt. Sprechen wir darüber, wie schön es ist, wenn nach den Erwartungshaltungen auch die Realität den Mount Everest erklommen hat. Sprechen wir über Money.

1977

Kompakt/Rough Trade

Kosmische Musik trifft auf Dub trifft auf Techno trifft auf Ambient: Greg Haines kehrt seinem Frühwerk den Rücken zu und brilliert.

Danke, Denovali Records. Ganz allgemein für die Passion, Musik als Kunst form zu betrachten, für die einzigartigen Swingfeste und im Speziellen für die liebevollen Artworks der Platten. Und das Lob will einfach nicht verstummen, gerade weil sich das Label aus Wenden im Frühjahr dazu entschied, die ersten drei LPs von Greg Haines wieder zu veröffentlichen. Die Alben sind beinahe als Vermächtnis zu verstehen, denn für sein neues Projekt WHERE WE WERE distanziert sich der britische Wahl-Berliner von seinen klassisch inspirierten Kammerspiel-und Streicherelegien und wendet sich analogen Synthesizern zu. Bearbeitet durch alte Bandmaschinen im Studio von Nils Frahm sind acht Stücke als Produkt einjähriger Improvisation entstanden, die ein kohärentes Ganzes ergeben. Haines betritt einen für ihn neuen Pfad aus Rhythmus-Schichtungen sowie akustischen Einsprengseln und bleibt doch Meister der Struktur. Er sucht vor allem die Dualität als Prinzip: laut und leise, hier pulsierend, dort entschleunigt, beinahe immer cineastisch anmutend, betrübt und glückselig zugleich. Piano-Rührseligkeit, Vibrafon und Percussions werden in atmosphärischen Soundscapes aus Drones, Delays und elektroakustischen Beats konserviert, sodass Clint Mansell, Fela Kuti, Tangerine Dream und Moritz von Oswald schemenhaft als Referenzmodelle auftauchen. WHERE WE WERE entfaltet eine Kraft, die das gesamte Portfolio menschlicher Emotionen abbildet.

Die offenen Nostalgiebekundungen des Denver-Duos fügen ihrem Noise-Pop nichts Neues hinzu.

Man wird bei „Bad Apple“ an Depeche Mode denken dürfen. Die marschierende Drummachine, der reservierte Gesang. Kommt hin. Man wird auch die Noise-Abteilung seiner Pop-Ecke durchforsten, wenn die gute halbe Stunde des zweiten Albums von Gauntlet Hair vorbei ist. Es geht um die Teenagerplatten von Andy R. und Craig Nice. Oder besser: um den Sound. Es dröhnt, ist laut und doppelt verhallt. Trotzdem besteht zum Vorgänger ein großer Unterschied. Wer genau hinhört, wird sogar ab und an verstehen, was gesungen wird. Mit der zweiten Platte wächst das Budget, das Studio vielleicht gleich mit. Gauntlet Hair errichten ein zitatenreiches Lo-Fi-Gebilde, in der Nähe zu Industrial, Goth-Pop und New Wave. Mit „Human Nature“ wird das Beste gleich zu Beginn erzählt. Eine schnelle Nummer, die nicht viel mit dem Rest der Platte zu tun hat. Die flirrende Wucht des Refrains hilft, den Anker in den Gehörgängen zu versenken. Was danach kommt, ist mal beliebig („Heave“), mal gut („New To It“), mal großartig irre, wie der scheppernde Minimal-Wave-Flüchtling „Waste Your Heart“.

Ein kreatives Leben jenseits des Clubs: Die Chilenin Dinky tritt hinter den Decks hervor und macht jetzt Pop in elektronischem Gewand.

Im Jahr 2013 mal wieder auf der Discuss-Agenda: Frauen im DJ-Business. Für Alejandra Del Pilar Iglesias Rivera kein Thema. Es braucht gar nicht erst den Blick in den neuen Berghain-Flyer, um zu kapieren, dass die Chilenin mit ihrem Projekt Dinky seit Jahren ihr eigenes Ding durchzieht. Fünftes Album, fünftes Label. Diesmal breitet Seth Troxler auf seinem Label Visionquest die Bühne für die Wahl-Berlinerin aus. Hier wagt die Folk-beeinflusste DJane den Schritt zur Singer/Songwriterin, lässt den Floor links liegen und stellt sich der Challenge, richtige Songs zu schreiben. Koproduziert von ihrem Ehemann Matthew Styles, kennt DIMENSION D vier Koordinaten: Club Music, Jazz, Indie und Pop. Die Dissonanzen früherer Produktionen sind warmen, leicht nachdenklichen Harmonien gewichen, die von Dinkys bittersüßer Stimme unterwandert werden. Mit Live-Drums, Claps und organischen Synthie-Sounds, bei denen Keys genauso Platz finden wie die dominante E-Gitarre, bringt Dinky sogar zwei Kleinode hervor: „Xanex“ und „Falling Angel“. Da bahnt sich ein Bandalbum an! Oder anders: Dinkys Weg hat gerade erst begonnen. Vorschläge für das sechste Label in ihrer Diskografie: Domino oder 4AD.

Turbo/Rough Trade

Fulminanter Techno aus Schottland. Irgendwann gewöhnt man sich an das Altwerden. Und zwar dann, wenn die nächsten Jungtalente in den Startlöchern stehen und Platten veröffentlichen, zu deren Referenzen eher ihre Väter getanzt haben. So auch bei den beiden Schotten Calum Macleod and Liam Robertson, die vom kanadischen Elektro-House-Guru Tiga entdeckt und für sein Label Turbo unter Vertrag genommen wurden. Mit Anfang 20 gelingt den beiden nach einigen EPs jetzt der ganz große Wurf. Ein zutiefst tiefes und britisch klingendes Techno-Album, das seine Wurzeln in den frühen 90er-Jahren hat. Ein Album, das den melodischen Knüppel als Taktstock missbraucht („Uqwenmokdan“) und so an Größen wie Surgeon und dessen Projekt British Murder Boys erinnert. Industrial und Acid, so warm und gnadenlos wie in „Khevsurian“ und „Topless Female Nudity“, die an den neuen, härteren Techno anknüpfen, den zum Beispiel der Londoner DJ und Produzent Jamie „Blawan“ Roberts in letzter Zeit erfolgreich wieder hochgeholt hat. Dazu gibt es eindeutige Bezüge in Richtung Jungle wie im wahnwitzigen Rave-Spektakel „Future 1“, um auch wirklich jeden abzuholen, der an der Geschichte des britischen Techno interessiert ist. Referenzen an die musikalische Gegenwart gibt es auf GHOST SYSTEMS RAVE auch. Zum Beispiel in dem verdächtig nach Actress klingenden „Roche Lobe (System)“ mit seinen experimentellen Bleep-und Noise-Spielereien. Clouds zeigen auf GHOST SYSTEMS RAVE, dass sie ganz genau wissen, wie Vergangenheit und Gegenwart verknüpft werden müssen, um im Techno des laufenden Jahres Akzente zu setzen. Das ist Anerkennung wert – und den Zwanziger für das Doppel-Vinyl.

SALTWATER

Dead Oceans/Cargo

RVNG International/Cargo

Eine Stunde House-Hypnose von Brooklyns psychedelischen Elektro-Konstrukteuren.

RVNG International/Cargo

Eine Stunde House-Hypnose von Brooklyns psychedelischen Elektro-Konstrukteuren.

Die krudeste Pool-Party der Saison mit Lo-Fi-Mutant-Disco.

„Things will be better in future times“ heißt die vom Label ausgerufene Antithese zum „früher war alles besser“. Und: Es stimmt. Andrew Field-Pickering hat mit House Of Woo vor einigen Monaten vielleicht das Jahres-Highlight veröffentlicht und kündigte mit dem ersten Album seines Nebenprojektes Beautiful Swimmers direkt das nächste an. Die Swimmers -Pickering und Labelkollege Ari Goldman -haben 12-Inches mit absurden, tanzbaren Sonnenuntergangs-House veröffentlicht. Auf SON stecken Beautiful Swimmers Disco-Samples in die dreckigsten Anzüge, die sie finden, mischen sie unter krisseligen Balearic-House und schaffen Tracks, die teilweise klingen, als würde sich ein zigfach überspieltes Tape bald in Luft auflösen. Der Groove will hier besonders viel. Im Monster-Track „Big Coast“ kämpfen Trompeten am Strand gegen Drummachines. Die hell klingende Melodie, die alles überstrahlt, gehört gefeiert.

Das lange erwartete Debütalbum des Londoner R’n’B-Pop-Duos.

Aus den Blogs zur BBC, von den Clubs in die Charts. Das Muster klingt vertraut. Doch wer die Musik von AlunaGeorge als zuckersüße Zuspitzung einer organisch gewachsenen Untergrundbewegung liest, missversteht ihren Kern. Aluna mag für Disclosure gesungen und George sein Handwerk im Geiste der globalen Beats-Blase verfeinert haben. In ihrem Innersten aber sind AlunaGeorge eine Band, für die nicht der Kontext des Cool zählt, sondern einzig die magischen Momente im Studio, wenn aus einer aufgeschnappten Emotion eine Melodie wird, sich aus einer Skizze ein Song schält. Das macht ihre Musik so kostbar. Sie streben nicht nach Pop, sondern tragen ihn in sich, und wissen genau, wie viel Schliff ein Diamant verträgt, bevor sein Blitzen blind macht für die Grautöne und Brüche, die das Leben besonders machen. In diesem Sinne sind ihre Songs vor allem eine Alternative zum Audioporno der Top-40-Welt. Die Beats und der Gesang verschmelzen zu keiner Zeit komplett; Alunas anrührend menschliche Vocals perlen immer leicht ab an den angenehm unfertigen Instrumentals -und bleiben genau deswegen hängen. Songs wie das tagtraumhafte „Your Drums“, das verliebt-hibbelige „Lost And Found“ und die Single „Attracting Flies“, eine kraftvolle Scheißkerl-Abrechnung in bester Destiny’s-Child-Tradition, sind unverschämt eingängig.

VORAUSGEHÖRT

KNOCKEMSTIFF

von Donald Ray Pollock

von Stefanie de Velasco

Eigentlich sollten wir noch Kinder sein -ein Roman über Berliner Teenagermädchen Nein, in dem Debütroman der 1978 geborenen Autorin Stefanie de Velasco geht es nicht um das erste Album von Belle &Sebastian, das TIGERMILK hieß. Die titelgebende Tigermilch wird im Müllermilchbecher zusammengemischt aus Schulmilch, Maracujasaft und Mariacron, es ist das Lieblingsgetränk von Nini und Jameelah, zwei 14-jährigen Mädchen aus einer Westberliner Siedlung, die sich manchmal schon sehr erwachsen fühlen. „Tigermilch“ wird erzählt aus der Sicht von Nini, und es ist sensationell, wie einen diese Stimme überzeugt, auch wenn man schon eine ganze Weile nicht mehr 14 ist und nie ein Mädchen war. Nini und Jameelah versuchen alles „cool und pomade“ anzugehen und bemerken, wenn jemand „einen an der Falafel“ hat. Die Mädchen spielen Sprachspiele, naschen Yum-Yum und Drogen, und geraten plötzlich in Dramen, die mit der ersten Liebe nichts mehr zu tun haben. Mag der Plot auch ganz gelegentlich ins aufdringlich jugendbuchhafte Problemabarbeiten verfallen, so holt einen diese Erzählstimme immer wieder zurück in diesen fiebrigen Zustand der permanenten Ungewissheit, der das Teenagerleben ausmacht. Toll.

Parlophone/Warner (VÖ: 30.8.)

Totgesagte leben länger. Oder: Die wundersame Genesung des Patienten Indie-Pop am Beispiel des dritten Babyshambles-Albums. Die gute Nachricht im Zusammenhang mit SEQUEL TO THE PREQUEL: Es gab keine Nachrichten über Pete Doherty im Vorfeld. Und dieses Vorfeld, also die Zeit zwischen der Ankündigung des dritten Babyshambles-Albums und seiner Veröffentlichung, war denkbar kurz. Keine Meldungen über Einbrüche, Diebstähle, Drogen-und Alkoholexzesse, Gerichtsprozesse, verpasste und verpatzte Auftritte, keine Skandälchen, keine Bilder aus Blut, keine Fotos von koksenden Model-Freundinnen aus dem Aufnahmestudio. Um Pete Doherty ist es ziemlich ruhig gewesen in den vergangenen Jahren. Zumindest in den Medien, die gerne und viel über die öffentliche Person Doherty berichten und selten über seine Musik. Also diesmal kein Absuchen der Texte mit der Lupe nach autobiografischen Bezügen, um sie mit aktuellen Meldungen aus der Yellow Press abzugleichen. Sieben Jahre nach dem letzten Babyshambles-Album SHOTTER’S NATION und vier Jahre nach Dohertys Solo-Album GRACE/WASTELAND werden wir wieder einmal an eine eigentliche Selbstverständlichkeit erinnert: Der sogenannte Britpop ist schon lange den Händen der „Class of 1992“ entrissen worden und wird auf ganz anderen Feldern verhandelt. Nach DOWN IN ALBION (2005), das von Mick Jones produziert wurde, saß Stephen Street zum zweiten Mal nach SHOTTER’S NATION (2007) am Produzentenpult. So viel vorab: Jeder einzelne Song auf SEQUEL TO THE PREQUEL wäre der einsame Höhepunkt auf den Alben Nummer zwei, drei und vier der anderen Überlebenden „Stars of 2005“. Man kann auch sagen, wer Doherty und sein Songwriting nicht erst nimmt, der sollte sein Verhältnis zur Popmusik grundsätzlich infrage stellen.